La photographie intuitive pour enrichir votre processus photographique

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Il arrive un moment où un photographe se heurte à un plateau, une limite qui semble infranchissable. Le photographe Adam T. Crawford nous explique comment solutionner ce problème en enrichissant notre processus photographique. En parallèle, il analyse la photo « Migrant Mother » de Dorothea Lange et explique pourquoi cette image est devenue aussi emblématique d’une photographie « non académique ».

Votre interprétation du réel

Que vous soyez un photographe amateur ou professionnel, vous serez un jour ou l’autre confronté à une barrière qui semble infranchissable. Vous maîtrisez très bien tous les aspects techniques de la photographie, allant de la composition à l’édition d’images, mais il vous manque quelque chose pour aller plus loin. En substance, nous pourrions dire que vous devez reconnecter l’émotionnelle à la technique, et trouver votre propre style.

Donc, je vous invite à oublier ce que vous savez pour un moment, et découvrir la photo sous un angle différent. La composition et les prouesses techniques sont certainement des facteurs importants lors de la création de bonnes photos, mais comment créer de grandes photographies en leur donnant une profondeur qui n’existe que d’une façon virtuelle, derrière l’image ou le sujet ?

Pour réaliser qu’il y a beaucoup plus derrière une photographie qu’une simple représentation visuelle d’un lieu ou d’un sujet, vous devez ajouter votre propre point vu à vos photos, votre propre interprétation du réel. Par exemple, si vous mettez six photographes dans une pièce en leur demandant de créer une image unique, chaque photographie sera différente. Vous devez réaliser à quel point votre subconscient se manifeste dans vos photos, et lui donner la chance de le faire librement.

De la technique vers la découverte de son style

Henry David Thoreau disait :

En photographie ce qui est important ce n’est pas ce que vous regardez, mais ce que vous voyez.

Les compétences que vous avez acquises à travers des tutoriels, des articles, des cours, des ateliers, des vidéos en ligne, etc., sont toujours là dans votre esprit. Vous possédez les compétences pour réaliser de bonnes photos. Pour aller plus loin, ces acquis doivent maintenant vous ouvrir le chemin vers votre propre style.

  1. La première étape est d’essayer de photographier en imitant le style de votre photographe préféré. En découvrant comment il a réalisé ses images, vous serez immergé dans son processus créatif, lequel alimentera votre propre créativité. Vous ne devez pas recréer exactement une image comme il le fait, simplement essayer de comprendre sa démarche, son approche, puis essayer de la recréer.
  2. La deuxième étape consiste à relever des défis. Un défi en photographie est un moyen de tester vos acquis techniques et artistiques. Par exemple si vous photographiez des paysages ou faites de la photographie de rue, donnez-vous le défi de faire de la macro, de l’ architecture, des portraits, ou quelque chose de vraiment différent de ce que vous avez l’habitude de faire. De cette façon vous sortirez de vos habitudes, et remettrez en question vos connaissances en tant que photographe.

Sortir de sa “routine créative”

Il n’y a rien de plus facile de reproduire ce que vous faites depuis des années. Mais si vous désirez vraiment ajouter une nouvelle dimension à votre processus photographique, vous devez impérativement sortir de votre “routine créative”. Parce que vous aurez lentement appris à développer votre propre style en étudiant le travail des autres, vous serez dans ce que j’appelle un « processus méditatif ». Ce que je viens d’écrire n’est pas une blague. C’est l’unique façon de dépasser la simple application de recettes que vous avez appris durant vos cours ou en lisant des tutoriels.

Pour mettre cela en pratique, vous devez trouver un sujet, une composition, ressentir l’atmosphère qui se dégage de cette scène, et attendre patiemment. Cette attente vous permettra d’absorber tout qui se passe autour de vous, sans aucune idée préconçue. Vous serez ainsi plus disposé à créer en faisant référence à vos sens, plutôt qu’à vos acquis techniques.

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Je me trouvais dans le White Sands National Monument au Nouveau-Mexique l’été dernier, assis sur une colline de sable blanc, regardant le ciel d’un bleu intense, lorsque le vent a commencé à souffler sur ce sable fin. J’étais dans un état réceptif, sans attente. Le ciel s’est couvert de nuages, et le sable a envahi cette magnifique scène. Je ressentais que c’était le moment de prendre une photo. Tout le processus s’est fait d’une façon instinctive. Sans avoir à penser aux aspects techniques. J’ai réussi à combiner mes acquis à mon ressenti.

Équivalents

Équivalents (ou Equivalents en anglais) est une série de photos réalisées par Alfred Stieglitz, combinant deux aspects très importants de son oeuvre photographique: la technique et l’esthétique. Cette série lui a permis de redéfinir son travail en dépassant la simple reproduction de la réalité. En y associant les aspects émotionnellement, il a réussit à élever ses compétences à un autre niveau.

Réduite à sa plus simple expression, le terme équivalent utilisé par Alfred Stieglitz, est un concept selon lequel les couleurs, les formes et les lignes géométriques reflètent des émotions intérieures. C’est en étudiant Kandinsky, peintre russe et un théoricien de l’art, qu’il a trouvé un sens à son propre travail. Il a oublier ses acquis pour réaliser des oeuvres non académiques.

Stieglitz disait au sujet de sa série :

J’ai voulu photographier des nuages pour découvrir ce que j’avais appris durant ces quarante ans à pratiquer la photographie. À travers ces amas de gouttelettes d’eau , j’y ai inscrit ma philosophie de vie.

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Dorothea Lange

C’est cette approche plus intuitive de la photographie, qui a permis à de grands photographes de produire des oeuvres uniques et d’une grande puissance émotionnelle. Quand on voit la photo « Migrant Mother » de Dorothea Lange nous sommes instantanément interpelés, et ce, même si nous ne disposons pas des informations pour en comprendre le contexte. Nous voyons le regard d’une mère méditant sur le futur de ses enfants.

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Plusieurs photographes ont tenté d’expliquer le succès de cette photo de Lange, grâce notamment à sa composition équilibrée, et son pathos sobre. Quelles que soient les explications, ce qui est certain c’est que Dorothea Lange a ignoré toutes ces théoriques quand elle a pris sa photo. Comme elle l’explique elle-même :

Je ne tente jamais de manipuler ou d’arranger ce que je photographie. J’essaie de créer une image ayant des racines encrées dans la réalité du moment.

Un processus personnel

Ce qui fait la force de la photographie, c’est qu’une seule image peut raconter une histoire entière, ou un essai photographique peut reconstituer un récit dans sa globalité. En montrant des moments de vies de l’expérience humaine, que ce soit un génocide, ou des soldats participant à une guerre, nous pouvons voir la beauté, la grâce, le dégoût, l’horreur, car les photos sont de remarquables témoins des évènements. Ceux qui comprennent cela se démarqueront des autres photographes.

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Développer un lien affectif avec son propre travail est primordiale même si les résultats ne sont pas conformes aux attentes populaires. La photographie doit être un processus ultimement personnel. Si vous vous concentrez en permanence uniquement sur le mimétisme ou essayez de produire une image “populaire”, vous perdez ce qu’il y a de plus important; votre perception émotive et personnelle d’une scène et sa reproduction via l’art photographique.

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Il est très important que tous les photographes s’identifient à l’artiste intérieure qu’il ont en eux. Pour en arriver à cela, vous devez être patient, réfléchir, et être prêt à vous soumettre à des situations dangereuses. Vous devez également être prêt à étudier, essayer, échouer, et explorer, afin de trouver votre place, votre vision, et de porter un regard plus profond sur l’instinct qui vous pousse à créer.

En conclusion

Vous devez apprendre à marcher avant de pouvoir courir, alors que de nos jours, les gens croient qu’ils pourront réaliser de grandes photos simplement après avoir appris à marcher. C’est le triste constat d’une époque qui recherche le résultat instantané, lequel est souvent sans intérêt et superficiel. Prenez le temps de développer lentement et sereinement, un véritable sens artistique en vous reconnectant à votre instinct créatif, plutôt que de faire appel uniquement à vos acquis techniques. Vous pourrez ainsi faire évoluer votre travail et dépasser vos limites qui vous semblent infranchissables.

Au sujet de l’auteur

Adam T. Crawford est un photographe, journaliste et rédacteur en chef de « Precise Moment Magazine », qui contextualise le paysage de la photographie moderne.

crédit photo :Dorothea Lange

Un commentaire

  1. dommage d’avoir oublié l’orthographe ou le correcteur orthographique au passage…
    Mais article intéressant toutefois 🙂